La chronique culturelle #6

Ma passion pour le cinéma est née grâce à mon père, très sensible aux arts. Nous allions souvent dans des cinémas en plein air, et il demandait aux projectionnistes de me montrer le fonctionnement des projecteurs 35 mm : comment la pellicule défile, le jeu des bobines, la lumière qui traverse l'image. À chaque séance, je repartais avec de petits morceaux de pellicule découpés pour moi. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à m'interroger sur la fabrication d'un film, sur l'envers du décor. Très vite, je demandais des caméras comme cadeaux d'anniversaire. Chez moi, aller au cinéma était tout un rituel…

Mon père me montrait les classiques sans attendre que j'aie « l'âge idéal ». Je pouvais passer de Stanley Kubrick ou Agnès Varda à des comédies populaires comme Les Sous-doués passent le bac de Claude Zidi. Ce grand écart m'a appris que le cinéma pouvait prendre mille formes. J'ai grandi avec l'humour visuel de Jacques Tati, Buster Keaton, l'humanité poétique de Chaplin, qui m'ont appris l'importance du rythme et du gag visuel.

Mais un souvenir reste fondateur : vers 13-14 ans, j'ai découvert The Virgin Suicides et Lost in Translation de Sofia Coppola. J'ai été fascinée par sa manière de capter les atmosphères, d'installer une mélancolie douce. Je me souviens encore de la fin de Lost in Translation : rester immobile sur le canapé, avec Just Like Honey des Jesus and Mary Chain qui résonne, comme suspendue au générique. J'étais encore jeune pour en saisir pleinement le message, et pourtant, son art avait déjà réussi à me toucher profondément.
 

Vers 15-16 ans sont venus les documentaires de Michael Moore et Laura Poitras. C'était l'âge où je commençais à prendre conscience du monde, à me questionner sur la société et ses injustices. Des œuvres comme Bowling for Columbine ou Citizenfour m'ont marquée. J'ai compris que le cinéma pouvait être bien plus qu'un divertissement : un outil pour éveiller les consciences et peut-être même contribuer à changer le monde.

J'ai aussi été attirée par Tim Burton, qui fait des « monstres » les véritables héros de ses histoires, et par Michel Ocelot, avec leurs techniques d'animation variées. J'ai très vite été fascinée par la richesse des médiums que le cinéma peut mobiliser : chaque cinéaste choisit une matière, une texture, une technique, et cette diversité me semble être l'un des aspects les plus fascinants de cet art.

En somme, mon regard cinématographique s’est construit dans un mélange d’expériences sensibles et techniques : la fascination pour la pellicule et le dispositif de projection, l’émerveillement devant des récits universels ou intimes, et la découverte de cinéastes qui m’ont appris à la fois l’esthétique, la narration et la puissance du cinéma comme outil artistique et social. 

S'il y a un film récent qui m'a profondément touchée, c'est Valeur sentimentale de Joachim Trier. Après la mort de leur mère, les sœurs Nora et Agnes doivent affronter leur père Gustav, réalisateur autrefois célèbre désormais oublié. Nora refuse de jouer dans le film que Gustav prépare sur leur passé familial. Il confie alors le rôle à une actrice hollywoodienne, bouleversant l'équilibre fragile de cette famille marquée par les non-dits.

Ce qui m'a frappée, c'est la précision avec laquelle Trier orchestre chaque aspect : le visuel, le sonore, le rythme, le jeu des acteurs. Tout est pensé avec une minutie presque chirurgicale.

La bande originale accompagne le récit comme une respiration. Le film s'ouvre sur Dancing Girl de Terry Callier, cette guitare douce et mélancolique qui introduit la maison, véritable personnage central. Et il se clôt sur Cannock Chase de Labi Siffre : une guitare plus vive, plus lumineuse, presque libératrice. Cet arc musical, à lui seul, raconte déjà une trajectoire intérieure.

Le casting est remarquable. Renate Reinsve confirme son immense talent : une justesse de jeu rare, une sensibilité à fleur de peau. Trier utilise la mise en abyme à deux reprises pour interroger la mémoire et la manière dont on raconte une histoire. Ce choix donne au film une profondeur réflexive : on regarde un film qui questionne aussi la fabrication d'un film.

Au-delà de la douleur, il y a une tendresse constante. Les personnages sont bouleversants dans leur humanité : ils se trompent, se blessent, se manquent, et c'est ce qui les rend si proches de nous. Cette écriture nuancée, sans jugement, donne au film une sincérité profondément touchante.

Visuellement, Trier filme les silences, les gestes, les regards comme d'autres filment des actions spectaculaires. C'est dans le détail, dans la respiration, que naît l'intensité. Valeur sentimentale conjugue une maîtrise technique impressionnante avec une vérité émotionnelle rare. C'est un film qui ne se contente pas de raconter une histoire : il la fait ressentir, jusque dans le corps du spectateur.
 

Live a Little de Fanny Ovesen m'a particulièrement marquée. Ce premier long-métrage suédois suit Laura et Alex, deux amies qui entreprennent un voyage en Europe via le couchsurfing. Lors d'une soirée à Varsovie, Laura se réveille dans le lit d'un jeune homme, sans souvenir de ce qui s'est passé. Le film nous fait vivre chaque étape de son acceptation de cette situation traumatisante, avec la multiplicité des regards. La réalisatrice nous transmet le questionnement intérieur de Laura si intensément que nous sommes plongés dans le doute : qu'est-ce qui s'est réellement passé ?

En tant que membre du jury Pass Culture, nous devions sélectionner un film représentant au mieux la jeunesse de manière cinématographiquement pertinente. Il nous est apparu évident que Live a Little méritait ce prix. Fanny Ovesen aborde des thèmes sensibles comme le consentement et l'acceptation des traumatismes avec une subtilité remarquable.

La mise en scène est extraordinaire. La complicité entre les deux amies, les paysages du road trip, la lumière — tout participe à l'émotion. La poésie visuelle crée un contraste puissant entre la beauté des lieux et la gravité de l'expérience vécue. C'est un film qui combine finesse narrative, puissance émotionnelle et virtuosité visuelle, illustrant parfaitement le pouvoir du cinéma pour traiter des sujets actuels tout en restant poétique.

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